谈到David Lynch，这部于1990年拍摄的《我心狂野》，观众往往第一印象是在炽烈的日晕下行驶在一片荒漠中的德州公路，这是一个爱情故事、一出心理戏剧和暴力喜剧。有趣的是，这部在戛纳首映的电影，350人有300人提前离场以示抵制的电影。自影片开头第一段便映入一出疯狂、野蛮的谋杀与反制打斗戏，是一出极具视觉冲击，能让观众瞬时震撼。采访时Lynch谈到这一出（片段时曾表示），在原剧本里是本来这段被有意安排在全片的最后一段。而出于各种原因原被定于开头同样是具有震撼力的一出急如星火的疯狂摩托追逐戏却没能拍成，因此剪辑师师杜韦恩·邓纳姆便灵巧地调换在了开头，最终事实证明是有效的。饰演男主塞勒的尼古拉斯·凯奇（Nicolas Cage）蓝白黑的着装在宴会场所里显得特立独行、格格不入，电影开头他痛快地揍了那个前来刺杀他的刺客。而如下图所示的这一个镜头，镜头里的塞勒头发凌乱、眼神杀气腾腾，还叼着香烟，这儿便已奠定了他在全片的性格和特征——如他那件蛇皮夹克一样凶狠——“代表了他的性格和个人自由的信仰”、“货真价实的杀人犯”。

塞勒吸烟镜头

交通愈来愈拥挤；臭氧层正在慢慢消失；总有一天早上，太阳升起来以后，就会像一束X光把地球烧出一个洞”；这么几句台词似乎已经用言语概括了电影里出现次数最多的镜头：在烈日下开着敞篷肌肉车在路易斯安那-德克萨斯穿梭那弥漫的沙尘、不停路过废旧木屋与漫无边际的荒漠。同时这几句话也带有几分超现实主义的奇幻韵味。

电影中似乎反复出现了焰火的特写镜头，擦燃火柴、点燃香烟以及熊熊焰火皆是如此。仿佛林奇至始至终都用这些象征意义的镜头在提醒我们电影标题Wild At Heart，暗示着两人恋情似火。而电影里数次在他们长途漫游中停歇时刻闪现点火的镜头、以及往事回忆——露拉的父亲就是在大火中丧生的。我们从后面塞勒的坦白中才得知事情发生的时候塞勒正在外面的一辆车里。而她的亲生母亲就卷入了对他的谋杀。所以火在西勒和露拉的关系中扮演了非常重要的角色，卷烟和火柴也变成了一把双刃剑，既促使他们相爱，但也时刻提醒着、威胁着她与塞勒之间的恋情。如林奇说道“在经过所有这一切之后他们仍然牢固地相互结合在一切——他们懂得其中的奥妙，而且他们通过一种奇怪的方式超越了这一切。这才是真正意义上的现代爱情。”除了这些镜头，同样具有象征意义的还有在迪吧里、在路边播放着不知疲倦的疯狂摇滚曲目，塞勒与露拉激情热舞，仿佛对原有的世界体制的一种反抗与唾弃。

点火镜头

刚刚说了塞勒，现在谈谈女主露拉，了解林奇电影的人应该都有发现他对金发女郎情有独钟，《双峰》里的劳拉，还有这里面的露拉。很明显，她坚强而且满怀同情理解，喜欢享乐。和塞勒一样追求放荡不羁的热恋，电影至始至终在讲她为何、如何逃避家庭，在电影里“家”不是温馨的港湾，恰恰颠倒了过来。我们来看看林奇在构图上表现俩人的疏离距离感的细微之处。

然后就是我们在观影时不时会寻思着，林奇的这部电影究竟是怎么回事，总觉得很怪异但又如此流畅且理所当然。电影中无时不刻有着林奇式的标志-荒诞滑稽、离奇古怪，令人不寒而栗的邪典风格。两位癫狂而迷失的灵魂敢在塞车路上唱Love me tender、不受拘束地在路边的荒漠上自由舞动，还有夜以继日的性爱镜头、服装怪异的反叛，以及西部片里标志性的金发女郎以及爵士乐的衬托、绿野仙踪的超现实表现主义……比比皆是。林奇的电影里总是用超现实来表现莫不可测的梦境，塞勒与露拉是从哪来？他们在逃避着、远离着那个充满暴力、残酷的犯罪组织的侵害，那些是更黑暗的东西，比如哈利·戴恩被一群怪异性癖分子击毙。这条延绵不绝的公路仿佛就成了两个世界的过渡桥梁，追寻《绿野仙踪》那理想而美好的童话世界。妈妈在过渡中成了女巫，掌握水晶球试图阻止年轻人的美好爱情。塞勒凭借自己的意志和善良精灵打败了邪恶女巫，露拉的母亲玛丽埃塔的图像也渐渐消逝。值得一提的是也许世界也许本来就是如此，只是我们觉得怪异不堪，但这种荒诞在现实世界也显得并不少见。在电影发行后不久， 1992年美国便发生了洛杉矶暴乱，电影仿佛成了某种现代童话梦境寓言，先行一步走在了现实之前。

作者：Christian ；编辑：Carter

参考文献：

[1]《与火同行：大卫林奇谈电影》[美] 大卫·林奇 / [英] 克里斯·罗德雷，2017年新星出版社。

[2] Festival de Cannes Review: Wild at Heart (1990) by Robin Write May 27, 2020 in Filmotomy.

红色，代表爱、欲望和暴力，是很多大导演的宠儿，像张艺谋、昆汀·塔伦蒂诺，就常常把红色作为自己电影的主色调。

张艺谋红

基耶斯洛夫斯基红

昆汀红

王家卫红

其中，数好莱坞大导演大卫·林奇别具一格，堪称驾驭红色的大师。红色在他的镜头里，营造出种种诡谲、情色、疯癫、惊怖的氛围，比起昆汀一味的血腥暴力、张艺谋的情欲、王家卫的暧昧诱惑，林奇把红色用得更为丰富多端，充满想象力。

红色，带你走进想象力的世界

林奇深受弗洛伊德精神分析的影响，用色彩来展示人类的焦虑、惊恐、猜疑……形成鲜明的“林奇式”色彩魅力。

影片《我心狂野》截图

《我心狂野》中的红色——癫狂

这是一部斩获金棕榈的奇片，片中角色个个荷尔蒙爆棚，激荡而狂野。玛丽在得知自己挚爱的情人约翰尼，因为追踪女儿的男友被杀死后，便走向崩溃的边缘。她对着镜子，将手和脸涂满口红，浑若满面鲜血的女巫，将展开疯癫可怕的报复。

影片《穆赫兰道》截图

《穆赫兰道》中的红色——危险

总是身着红色衣服、金发碧眼的女演员贝蒂，她甜美可人的笑脸背后，隐藏着杀机。

影片在现实与梦境中交叠推进。因为表演事业不利，贝蒂渐渐心理失常，她杀害了引起她嫉妒的女友丽塔。

影片在两名女主角身上大量使用红色和黑色元素，堆出亦真亦幻的梦境蒙太奇。

影片《蓝丝绒》截图

《蓝丝绒》中的红色——情欲

暗红色的墙纸、红色的椅子和床饰，房间周围都被红色包围。配合着桃乐丝身上红色的连衣裙、艳红色的指甲、饱满的红唇，为她与弗兰克造出情欲的深渊。

剧集《双峰》中的红色——不同代名词的集合体

迷离——红色幕布是林奇电影中反复出现的标志性道具，它是现实世界和梦想世界之间的载体。

在剧集《双峰》中，有一个名叫“黑屋”的超维度空间，在这里，红色幕墙是分割现实与超维空间的工具，幕墙后任何事情都可能发生。锯齿形状的地板与室内家具陈设形成鲜明对比，让人生出迷失方向、不知所措的感觉。

暴力——灰色房屋的上方，耀眼的枪支霓虹灯logo暗藏了危险和杀戮。

诡异——神秘女子“Naido”穿着一件暗红色的天鹅绒连衣裙，与身后的黑暗空间形成了对比。在这个空间中，蒙住的双眼、怪异的肢体，让红色呈现出诡异的既视感。

愤怒——在这里，红色代表怒火。家庭主妇詹妮背着红色的包，怒冲冲地走向对她进行敲诈的丈夫。

权威——黛安一袭明亮的红色和服式长袍，手持香烟和杯子，加上她金色的头发，干练的身姿和目光，展示出她权威有力的一面。

躁动——同样是黛安，身穿亮红色V领衬衫，在纯黑色的背景前，突出的一抹红色，让她成为了视觉的焦点，她的痛苦和恐惧格外显眼。

色彩，画家林奇与生俱来的灵感

大卫·林奇是个全才，在编剧、摄影和音乐等不同领域一样玩得转。只不过，绘画才是他艺术生涯的起点。

妈妈是林奇年幼时的启蒙老师，放任他自由地涂画。他把天马行空的小想法，用单色线条在纸巾、火柴盒、信纸上勾勾画画，这些日常习惯成为了他日后创作的灵感来源。

奥斯卡·科柯施卡的画作

表现主义鬼才画家奥斯卡·科柯施卡是林奇作为美术生时期的老师。在创作上，林奇还受到英国怪诞画家弗朗西斯·培根、俄裔抽象派画家瓦西里·康定斯基及美国画家爱德华·霍珀的影响。

弗朗西斯·培根的画作

瓦西里·康定斯基的画作

爱德华·霍珀的画作

这些大画家影响了林奇的画作，令他的色彩变得异常强烈。他的画笔下，红色成为标志性元素：

《I Am Running Home from Your House》

画中这个踏着红色的大地奔跑回家的boy，仿佛就是林奇自己。

《Philadelphia》

梦境一样充满超现实感，画中枯瘦的人吐出“Philadelphia”（费城）字样，手中握着一颗红彤彤的心脏。

在林奇看来，影像就是“移动的绘画”，以前是把梦境画出来，现在是用摄影机将画作“复制”下来，把这些色彩绚烂的梦搬上银幕。

比如林奇早期的一部先锋实验片《六人患病》，是绘画与影像的结合体，可以看出林奇从绘画到影像的过渡状态。四分钟里讲述了六个病人从呕吐、流血，到最后器官腐烂的过程。

《六人患病》截图

整个片子就像一幅抽象的黑白版画，从六位病人的口中呕出鲜红的血，仿佛要溢出画面，这种强烈的色彩处理，像噩梦一般叫人难忘。

如今，大卫·林奇依然在他的风格化道路上不断探索，红色的滤镜，仍是他看待人性和世界的路径。

通常来说，我喜欢的电影类型属于伯格曼，哈内克等类型的导演，因为他们会在电影里讨论关于人性的命题，性格的塑造和关于爱的探讨。接触林奇的片子，算是我突破自己观影类型的一次体验。

而随着对这部片子的再三观看，我对这部电影有了不同的体验。

1，电影我心狂野中，母女关系，和绿野仙踪的互文。

在一开始时，露娜就被母亲控制，于是在电影的开头那一幕，母亲进洗手间引诱赛勒，只是为了让他离开露娜。这个时候画面的展现与构图的不平衡。母亲在画面正中央，而交谈的塞勒和露娜各置一边。

母亲的控制欲，除了对露娜的控制，母亲还控制着倾慕她的两个男人，让他们为自己做事。在露娜和塞勒的一次交谈中，露娜看向镜中的自己，对着镜子里的人撒谎。母亲并不知道发生了什么。可是画面继续跳回露娜被强奸的事故中，母亲是知情者。露娜和塞勒逃离在路上，于是在黑暗中看清了那个一直追着她的女巫，其实就是母亲本人。她愿意看清事实真相了。

2，关于反好莱坞爱情传统的叙事。

在好莱坞的传统叙事中，浪子回头是典型叙事，而对性与暴力的描述，本片也一点不少。关于露娜到达德州之后，两人都陷入了信任危机。露娜在被挑逗之后，因为发现自己无法以理性面对自己对情欲的渴望。于是她看向镜中的自己。

塞勒在穷困中，受到诱惑，决定持枪抢劫。于是他和同伙去喝酒，看着镜中的自己扭曲变形。他在违背答应露娜不再干杀人放火的事。

于是在之后的屋子里，两人背对而睡。在爱情的基本要求里，彼此的坦诚相待已经受到了考验。

在电影最末，逃离的塞勒在路上遇到机车夹克同性恋，被痛扁了一顿。起来时，虽然醒悟着说，要去找露娜。但是他的鼻子变长了，而鼻子变长是木偶皮诺曹说谎话时会出现的情况。）于是在电影结尾，塞勒唱着情歌向露娜求爱，表露的含义就很清晰了。

3，关于对这个世界的看法。

不论是露娜讲述的关于叔叔的故事，还是后来两人在荒无人烟的狂野上跳舞。

都传达出了对这个世界的荒诞现实主义的一种讽刺。

在露娜讲述的故事里，叔叔希望一直是圣诞节，而认定了有外来生物一直在破坏其想拥有的快乐。（即他的黑手套。）在极度疯狂之中，他半夜起来做三明治，自毁式的把蟑螂放到自己内裤上。在我的理解里，人只能追求一种生活的安宁，对快乐的极端追求，妄图把这种极乐当作一种常规的生活状态，只会毁了自己。

在露娜打开广播时，电视里不断报道关于世界各地的坏消息，露娜气愤不已，她觉得这个世界不仅仅是由这些负面的信息构成。于是走出汽车，让塞勒放音乐，两人在空旷的草地上跳舞，享受一种简单而纯粹的快乐。

这也是唯一一次，导演用俯拍的角度露出了整个世界的面貌，包括黄昏的一角。其对应了电影开始时，导演用仰拍角度入景。）

我想，在这些夹杂着导演的个人特色，比如尖锐的音效处理，俗艳的色彩处理，夹杂着导演个人特色的，用青蛙声音说话的男人，旅馆的工作人员全是老人，裸体的女人，胖的，瘦的。在看似一个高雅场合吃饭的人们，背景的人，却在玩杂技。在所有这些带着林奇的个人特色的电影之中。有更多我没有看明白的地方。

而这就是林奇电影对我的吸引力，每一次观影，都是一次全新的体验。

威廉.达福一口烂牙的挑逗劳拉.邓恩，在邓恩即将性兴奋之际嘎然而止，只留下一裤子淫水。威廉.达福就像《蓝丝绒》里的恶棍弗兰克一样，粗鲁、暴力，又充满喜感，浑身上下散发着高级的恶趣味。当凯奇与邓恩第一次见到达福时，身旁坐着的有另外两个熟面孔，一个是《致命ID》里的人格分裂胖子，一个是贾木许的御用男将范佩西，呃不对，叫约翰.劳瑞，话说他和范佩西实在太像了，不论从脸到身型体态再到气质........影片里另一个有意思的角色便是哈利·戴恩·斯坦通，他在《德州巴黎》里的忧郁执拗形象深入人心，而在本片里则是一个出场不多、陷入爱情、死得梦幻的舔狗角色。他喜欢邓恩的母亲，帮助她的母亲寻找她和男友凯奇的下落，当他得到邓恩母亲的吻时，那个得瑟的劲儿像个陷入热恋的初中生，结果没过多久就被一枪爆头了，死前还要被绑着“欣赏”一对浓妆艳抹、妖娆多姿的神经病男女的情色表演，这一段相当的恶趣味……本片和《蓝丝绒》在林奇的作品里算是一对兄弟片，都是单刀直入的叙事加上节外生枝的恶趣味，不像后来的作品那样玩弄梦境与精神分析。凯奇与邓恩这对流浪鸳鸯在影片里最擅长的事情就是做爱聊天，大段大段的打炮桥段展现着邓恩的诱人酮体。其他人则是为了找到他们而大费周章，邓恩的母亲为了拆散他们也是快要濒临崩溃了。其中死法最又个性的毫无疑问又是暴躁老哥威廉.达福了，他在被警察击中后倒地又被自己的来复枪爆头……看看他的职业生涯都经历了什么，先是在本片里自我爆头，又在《反基督者》里jj被撸出血........影片最后倒是温馨浪漫了一把，我心狂野的凯奇放弃了放浪走天涯的生活选择和邓恩以及他们的孩子开始新的生活，不知道林奇是不是觉得太过正能量，于是在往后的作品中遁入黑暗。